ESPAÑA INAUGURA LA FERIA DEL LIBRO DE CALCUTA 2023 COMO PAÍS INVITADO DE HONOR.

Tras el éxito cosechado en Fráncfort, España inauguró ayer la Feria del Libro de Calcuta 2023, en República de la India, como País Invitado de Honor. En el acto inaugural, celebrado en el escenario principal del Boi Mela Prangan de Calcuta, ha participado María José Gálvez, directora general del Libro y Fomento de la Lectura del Ministerio de Cultura y Deporte, junto a la ministra principal del Estado de Bengala Occidental, Mamata Banerjee; el alcalde de Calcuta, Firhad Hakim; y el presidente y el secretario del gremio de editores y libreros de Calcuta (Publishers & Booksellers Guild), Sudhangshu Sekhar Dey y Tridib Chatterjee. La ministra Mamata Banerjee, ha dado la enhorabuena "a todos los hermanos y hermanas de España por su participación en esta Feria del Libro". Por su parte, la directora general del Libro y Fomento de la Lectura, aseguró que "la presencia de España como País Temático Principal en Calcuta no solo reforzará el diálogo cultural con India, sino que es un reflejo del país moderno y cosmopolita en el que nos hemos convertido desde nuestra última participación en esta feria, en 2006". Gálvez subrayó que "nuestra presencia en la India es una muestra de la apuesta del Ministerio de Cultura y Deporte por la internacionalización de nuestra literatura en toda su diversidad, géneros y lenguas". Y, tras agradecer al gremio de editores y libreros y a la ministra Banerjee por esta invitación, añadió que "Juan Ramón Jiménez, Zenobia Camprubí y Rabindranath Tagore iniciaron esta hermandad y esperamos que con Mario Obrero, Ilu Ros, Jordi Gracia, Anna Caballé, Luis G. Montero continuemos el legado". A continuación, intervinieron el joven poeta Mario Obrero y la ilustradora Ilu Ros, que encabezan una delegación de más de 20 autores españoles. La ceremonia de apertura concluyó con un concierto a cargo del guitarrista Miguel Trápaga Sáchez.

Fotografía 5045.- Inauguración Feria del Libro de Calcuta 2023. Imagen cedida a "No soy digno de tu amor" por el Ministerio de Cultura y Deporte (Prensa). 

La Feria Internacional del Libro de Calcuta (cuyo nombre oficial es Antarjatik Kolkata Boimela / Antarjatik Kolkata Pustakmela) tiene sus orígenes en 1976. Organizada por el Gremio de Editores y Libreros de Calcuta (Kolkata Publishers and Booksellers Guild), es la más importante de Asia y, según algunos rankings, la tercera del mundo, después de Fráncfort y Londres. Es la segunda vez que España es país invitado de honor, tras la edición de 2006. Dirigida al público general, a esta Feria de Calcuta asisten también profesionales del sector y es la más visitada del mundo. En la edición de 2022 recibió más de dos millones de visitantes.

La programación con la que España participa en Calcuta ha sido diseñada en colaboración con la Embajada de España en la India y el Instituto Cervantes de Nueva Delhi. Hasta el próximo 12 de febrero, los 300 metros cuadrados del pabellón español acogerán más de 70 actividades y una delegación de veintidós autores. Una representación plural y plurilingüe de la literatura española que abarca narrativa, poesía, cómic, ilustración, teatro o ensayo y en la que destaca, sobre todo, la presencia de autores jóvenes y de mujeres. Entre otros, viajan a la India los ensayistas Jordi Gracia, Anna Caballé, Pedro Carrero Eras y Victoria Galván; los narradores David Trueba, Agustín Fernández Mallo y Eva Baltasar; los poetas Luis García Montero, Alba Cid, Ismael Ramos, María Sevilla y Violeta Medina; la ilustradora Olga de Dios; las autoras de cómic Ana Galvañ y Carla Berrocal, o el periodista Guillermo Busutil. La programación presta, además, especial atención a la obra de Miguel de Cervantes y Federico García Lorca, dedicando un día específico a cada uno de ellos. Películas, espectáculos musicales, cuentacuentos, exposiciones o lecturas dramatizadas completarán un programa literario al que se suma una intensa agenda profesional que incluye encuentros entre editores, hispanistas, así como sesiones dedicadas a la traducción.

El grueso de las actividades se llevará a cabo en el pabellón diseñado por estudio español Peipe Diseño y Artes Gráficas S.L. con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E), que ha sido construido con materiales sostenibles y reciclables. En él se expondrá la muestra "This is Now", con fotografías del fotoperiodista Álvaro García, además de una selección de alrededor de 500 libros y revistas culturales constituyen una panorámica actualizada de la edición en nuestro país en todas las lenguas oficiales. Al finalizar la feria, el conjunto será donado a varias universidades y escuelas indias con el objetivo de contribuir a la difusión de la literatura española en el país. El pabellón contará además con varios espacios específicos para la Federación del Gremio de Editores de España (FGEE), con representación de las editoriales Algar, Bromera y Renacimiento; el Instituto Cervantes, el Ministerio de Cultura y Deporte y Acción Cultural Española (AC/E).

Ampliar la presencia y visibilidad de España en la India, mostrando un país moderno y vanguardista, comprometido con la igualdad de la mujer, la libertad y el progreso, son algunos de los objetivos de la participación española en la Feria del Libro de Calcuta. La presencia en Calcuta continúa con la estrategia de internacionalización impulsada desde el Ministerio de Cultura y Deporte que busca también establecer alianzas profundas y duraderas con el sector en la India. Después de Calcuta, esta estrategia proseguirá, siempre de la mano del sector, con la participación como Invitado de Honor en las próximas Ferias del Libro de Guadalajara (México) en 2024 y Bogotá (Colombia) en 2025.

NOTAS:

© "ESPAÑA INAUGURA LA FERIA DEL LIBRO DE CALCUTA 2023 COMO PAÍS INVITADO DE HONOR".

Textos del post: Ministerio de Cultura y Deporte.

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MINISTERIO DE CULTURA Y DEPORTE

El español es una de las lenguas que se ofrecen en la enseñanza secundaria de la India, país con una elevada demanda de clases de español como reflejan las cifras del Instituto Cervantes de Nueva Delhi, que es en la actualidad el centro con mayor volumen de actividad docente, con casi 300.000 horas/alumno y más de 6.000 matrículas en el curso académico 2021/2022. ¿Has viajado alguna vez a este fascinante país?

EL TIEMPO DEL TRABAJO (MUSEO DE LA CIUDADELA DE CELESTINO SOLAR EN GIJÓN/XIXÓN).

La exposición "El Tiempo del trabajo" pretende dar respuesta a una pregunta que el público realiza de forma reiterada cuando visita el Museo de la Ciudadela de Celestino Solar en Gijón/Xixón: ¿en qué trabajaban las personas que vivían allí? A través del testimonio de quienes habitaron el Patio de Capua, ilustrado con 46 fotografías procedentes de las fototecas del Muséu del Pueblu d’ Asturies, el Museo del Ferrocarril de Asturias, el Fondo Vinck y algunos particulares, esta exposición muestra cuál fue El Tiempo del trabajo de los vecinos y vecinas de la Ciudadela de Celestino Solar.

Fotografía 5044.- Taller de laminación de la Fábrica de Moreda. Constantino Suárez, 1936. Muséu del Pueblu d'Asturies. Imagen cedida a "No soy digno de tu amor" por la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón/Xixón.

La muestra se organiza en dos salas diferentes: en una y bajo el título "El tiempo del trabajo. Ganarse el jornal" se presenta el trabajo masculino, mientras en la otra, las ocupaciones femeninas se exhiben como "El tiempo del trabajo. Mujeres invisibles". Se ha querido separar el trabajo masculino del femenino para poner de manifiesto la diferente concepción, organización y percepción del tiempo del trabajo de hombres y mujeres, tanto a lo largo del ciclo vital, como en la distribución del trabajo productivo y tiempo libre en el día a día.

Fotografía 5043.- Vendedora ambulante de periódicos. Valentín Vega, 1951. Imagen cedida a "No soy digno de tu amor" por la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón/Xixón. 

Esta exposición pretende provocar una reflexión acerca del significado del trabajo como realidad y hecho social, en un momento en el que el propio concepto está siendo discutido, en el que cobran fuerza diferentes concepciones posmodernas que plantean la crisis y hasta el fin del trabajo como definitorio del hecho social; teorías que, como las defendidas por el sociólogo Zygmunt Bauman, plantean la desaparición del trabajo como un bien común, como un eje vertebrador de las relaciones sociales para pasar a convertirse en una categoría individual que cada uno satisface a su modo. 

Fotografía 5042.- Taller de costura en Turón (Mieres). Pepín Muñiz, h. 1950. Muséu del Pueblu d'Asturies. Imagen cedida a "No soy digno de tu amor" por la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón/Xixón.  

Las ocupaciones de los habitantes de la Ciudadela se registran en los censos electorales desde 1890 (solo las de los varones mayores de veinticinco años) y en los padrones municipales de habitantes, a partir de 1900. En estos registros estadísticos oficiales la mayoría de los hombres aparecen como jornaleros; personas que trabajan a cambio de un jornal o pago por día de trabajo, con o sin contrato, en un pequeño taller, una obra o una gran empresa. En el caso de las mujeres el trabajo está marcado por su ciclo vital, condicionado a su vez por su rol de género, su clase social y su estado civil. En los padrones municipales de habitantes, se registra sus labores o su casa como la ocupación mayoritaria de las vecinas de la Ciudadela. Si bien su testimonio personal nos ofrece una realidad bien distinta: casi todas trabajaron en un momento u otro de su vida.

NOTAS:

© "EL TIEMPO DEL TRABAJO (MUSEO DE LA CIUDADELA DE CELESTINO SOLAR EN GIJÓN/XIXÓN)".

Textos del post: Nuria Vila Álvarez (autora del catálogo de la exposición).


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MUSEO DE LA CIUDADELA DE CELESTINO SOLAR

EL TIEMPO DEL TRABAJO

La Ciudadela de Celestino Solar presenta uno de los modelos de vivienda obrera existente en Asturias. Construida en 1877 en la calle Capua, estaba formada por 23 casas y permaneció habitada durante más de un siglo. La Ciudadela fue inaugurada como museo en 2003 y, en 2018, abrió de nuevo sus puertas con una museografía totalmente renovada. ¿Conoces este espacio histórico gijonés?

"NSDDTA" EXPRÉS (6): ÚLTIMOS DÍAS PARA VISITAR LA EXPOSICIÓN "OTRO RENACIMIENTO. ARTISTAS ESPAÑOLES EN NÁPOLES A COMIENZOS DEL CINQUECENTO" EN EL MUSEO NACIONAL DEL PRADO.

La exposición, que permanecerá en las salas A y B del edificio de los Jerónimos hasta el próximo domingo, 29 de enero, con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA, constituye una ocasión irrepetible para emprender un viaje visual por una etapa cargada de interés, por un instante en el que se estaba descubriendo una nueva manera de expresión artística, que se interpretaba de otro modo y que llegaría a la península ibérica digerida, metabolizada y diferente.

Esta exposición, compuesta por 75 obras procedentes de colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales, pretende llamar la atención sobre una cronología (los años iniciales del siglo XVI), una geografía (Nápoles) y unos actores (pintores y escultores italianos y españoles), que conforman un panorama artístico a menudo considerado secundario respecto a los tradicionales focos del Renacimiento: Florencia y Roma, y que tuvo además una decisiva trascendencia dentro de una realidad política más amplia, la de la Monarquía Hispánica, como demuestra la posterior actividad en España de artistas como Pedro Machuca, Bartolomé Ordoñez, Diego de Siloe, Pedro Fernández o Alonso Berruguete, entre otros.

Fotografía 5041.- Museo Nacional del Prado. "NSDDTA". Madrid.

“Otro Renacimiento” plantea un recorrido por uno de los capítulos más fecundos y desconocidos de la cultura del Renacimiento europeo: la de España y de la Italia meridional hacia "la maniera moderna", el gran arte basado en la revolución llevada a cabo por Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.

Inscrita en un espacio arquitectónico que evoca las construcciones napolitanas de la época, la exposición proporciona una idea muy aproximada de lo que supusieron las novedades de ese período sin circunscribirse a una sola disciplina artística. Se transmite de este modo una percepción global, ajustada a una realidad de convivencia de técnicas y materiales. La pintura sobre madera o lienzo, la miniatura, la madera policromada o la escultura en mármol presentan un panorama variado de tipologías y formatos que traslada de manera más verosímil al período que se ilustra.

Este proyecto expositivo, que tendrá su continuidad en el napolitano Museo e Real Bosco di Capodimonte, permite completar narraciones y añadir matices a la colección permanente del Prado a través del conocimiento de lo que fueron las artes plásticas en Nápoles a comienzos del siglo XVI, y hablar del protagonismo de lo hispánico en un proceso enriquecedor de interacción e intercambio con el mundo italiano.

Para ello, la exposición cuenta con 75 obras procedentes de colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales, entre las que cabe destacar la generosidad de los préstamos del Fondo Edifici di Culto del Ministero dell’Interno de Italia en su compromiso institucional de continuar afianzando los lazos culturales entre Italia y España.

NOTAS:

© "-NSDDTA- EXPRÉS (6): ÚLTIMOS DÍAS PARA VISITAR LA EXPOSICIÓN -OTRO RENACIMIENTO. ARTISTAS ESPAÑOLES EN NÁPOLES A COMIENZOS DEL CINQUECENTO- EN EL MUSEO NACIONAL DEL PRADO".

Textos del post: Museo Nacional del Prado (Prensa).

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MUSEO NACIONAL DEL PRADO

Desde la fundación del Museo han ingresado más de dos mil trescientas pinturas y gran cantidad de esculturas, estampas, dibujos y piezas de artes decorativas por Nuevas Adquisiciones, en su mayoría donaciones, legados y compras. Tanto la colección como el número de visitantes del Prado se han incrementado enormemente a lo largo de los siglos XIX y XX, por lo que el Museo ha tenido que ir acometiendo sucesivas ampliaciones en su sede histórica hasta agotar totalmente las posibilidades de intervención sobre este edificio. Estimado seguidor/a: ¿qué destacarías de este museo?

MARGARITA AZURDIA. MARGARITA RITA RICA DINAMITA (MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA).

Margarita Rita Rica Dinamita es uno de los varios nombres que la artista guatemalteca Margarita Azurdia (1931-1998) adoptó para expresar procesos de transformación personal. Esta muestra, primera en España de la artista, presenta la obra singular de una figura emblemática de espíritu inquieto, lúdico y transgresor que atraviesa el contexto artístico guatemalteco de la segunda mitad del siglo XX. La exposición permanecerá abierta hasta el 17 de abril de 2023 (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Edificio Sabatini. 3ª Planta). 

La artista inicia una metamorfosis a mediados de la década de 1960, con el nombre de Margot Fanjul. Su incursión en la plástica la lleva a cabo en la pintura informalista, decantándose por el geometrismo inspirado en los textiles indígenas guatemaltecos. En la década de 1970, las contraculturas comenzaban a ser influenciadas por las filosofías orientales, y los viajes espaciales estimularon el cuestionamiento de la existencia humana. En las artes calaba una nueva espiritualidad y Azurdia realizó en este contexto su serie de pinturas escultóricas conocida como Asta 104, con la que obtuvo una mención honorífica en la X Bienal de São Paulo en 1969. En el marco de la II Bienal de Arte Coltejer (Medellín, 1970), la artista consuma un corte circunstancial con sus exploraciones formales en curso que resulta en una primera instalación titulada Por favor quitarse los zapatos, un cubículo que invitaba al público a descalzarse para caminar sobre arena húmeda adentrándolo en una experiencia sensorial que facilitaba una desconexión espacio-temporal.

Fotografía 5040.- Vista de la exposición Margarita Azurdia. Margarita Rita Rica Dinamita. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Noviembre, 2022. En primer término: Las cargadoras de plátanos rojos, 1971-1974. Archivo fotográfico del Museo Reina Sofía. Imagen cedida a "No soy digno de tu amor" por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Prensa).

Fotografía 5039.- Vista de la exposición Margarita Azurdia. Margarita Rita Rica Dinamita. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Noviembre, 2022. De izquierda a derecha: Sin título, El Diablo y La Vieja. Archivo fotográfico del Museo Reina Sofía. Imagen cedida a "No soy digno de tu amor" por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Prensa).

La serie de esculturas Homenaje a Guatemala (1971 - 1974) plantea un nuevo quiebre en su práctica. La artista encarga cincuenta tallas directas en madera a artesanos especializados en figuras religiosas, cuyo resultado evoca los altares de los pueblos del altiplano guatemalteco. Con objetos artesanales, figuras zoomorfas y mujeres ataviadas con parafernalias de acentos tropicales, la serie pone en evidencia el sincretismo cultural y religioso que atraviesa la compleja historia de Guatemala. Tres días después de la conclusión de la serie en 1974, Azurdia se traslada a París. En la capital francesa se impregna de los nuevos feminismos y de las corrientes de la danza posmoderna y el body art, llevando a cabo los primeros poemas, dibujos y libros de artista. 

Tras ocho años de ausencia, Margarita Azurdia retorna a Guatemala en 1982. Forma un grupo de danza experimental junto a Benjamín Herrarte y Fernando Iturbide, al que llamaron Laboratorio de Creatividad. En esta nueva etapa el movimiento del cuerpo canaliza sus inquietudes, cobrando importancia su exploración en los orígenes de los rituales y las danzas sagradas. Hasta los últimos años de su vida, Azurdia continúa impartiendo talleres que profundizan en una espiritualidad basada en una filosofía de transformación y sanación personal, vinculada a la naturaleza y el medio ambiente. Esta espiritualidad queda reflejada en las pinturas, rituales y altares dedicados a la Diosa Madre que realizó en los últimos años de su vida.

NOTAS:

© "MARGARITA AZURDIA. MARGARITA RITA RICA DINAMITA (MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA)".

Textos del post: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Prensa).

Las fotografías de este post han sido cedidas a "No soy digno de tu amor" por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Prensa) para este reportaje.

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MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA

El Museo Reina Sofía abre sus puertas en 1990 con la intención de reflejar la contemporaneidad artística española en relación con el contexto internacional. Sus fondos de componen de más de 23.000 obras realizadas entre finales del siglo XIX y la actualidad. De ellas se exhibe aproximadamente un cinco por ciento de artistas de la talla de Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí, Juan Gris, Georges Braque, Yves Klein, Robert Motherwell, Francis Bacon, Richard Serra, Alexander Calder, René Magritte, Antoni Muntadas, Michelangelo Pistoletto, Sol LeWitt o Marcel Broodthaers. ¿Conoces este importante museo español?

EL MUSEO SOROLLA RINDE HOMENAJE AL PINTOR EN SUS ÚLTIMOS AÑOS CON LA EXPOSICIÓN "¡SOROLLA HA MUERTO! ¡VIVA SOROLLA!".

El Museo Sorolla, museo estatal dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte, organiza, junto a la Fundación Museo Sorolla, la exposición "¡Sorolla ha muerto! ¡Viva Sorolla!" (del 24 de enero al 25 de junio). La muestra se enmarca en las celebraciones por el primer centenario del fallecimiento de Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923), cuya programación oficial arrancó el mes pasado con la inauguración en el Museo Sorolla de la exposición "Sorolla. Orígenes", centrada en los primeros años de producción del pintor. Como si de un alfa y omega se tratasen, "¡Sorolla ha muerto! ¡Viva Sorolla!" cierra el círculo al analizar sus tres últimos años de vida, su etapa más desconocida, cuando ya enfermo tuvo que dejar de trabajar.

Fotografía 5038.- "¡Sorolla ha muerto! ¡Viva Sorolla!". Imagen cedida a "No soy digno de tu amor" por el Ministerio de Cultura y Deporte (Prensa). 

Por primera vez, el Museo Sorolla muestra al público la enorme repercusión que tuvo su muerte a través del estudio de las fotografías, la prensa de época y la documentación que se conservan en el archivo del Museo Sorolla. Lo cual atestigua la importancia, el aprecio y el reconocimiento, tanto a nivel nacional como internacional, que había conseguido a través de una vida dedicada plenamente a la pintura.

Comisariada conjuntamente por el departamento de documentación del Museo Sorolla, esta exposición se organiza en la sala I a través de cuatro secciones: "Una fina y templada mañana", "La luz que se apaga", "¡Sorolla ha muerto! ¡Viva Sorolla!" y "El pintor inmortal". En cada una se exhibe una cuidada selección de fondos documentales de muy variado formato: fotografía antigua, correspondencia, o noticias de prensa de la época, entre otros. Junto a esta selección de documentos se expone el "Retrato de Mabel Rick, Señora de Pérez de Ayala", última obra de Sorolla, que dejó inacabada al sufrir mientras lo pintaba la hemiplejía que le apartaría definitivamente del trabajo. A esta obra se suman dos esculturas, una de ellas inédita: la máscara funeraria que el escultor y amigo Mariano Benlliure realizó en su lecho de muerte y la mano del pintor esculpida por Ricardo Causarás. Una original publicación científica en forma de periódico de época completa la muestra. Éste reúne una selección de artículos sobre Sorolla publicados en la prensa entre 1920 y 1933 y una serie de breves ensayos escritos por las comisarias que contextualizan y clarifican lo sucedido. Además, tras la inauguración de la exposición, se ha presentado en el Museo el vino de edición especial que, con motivo de la de la conmemoración de los 100 años del fallecimiento de Sorolla, realiza la Bodega Les Freses (Marina Alta, Alicante). Se trata de una bodega que ha recuperado el cultivo tradicional de la uva moscatel que conoció Sorolla cuando viajó a la comarca en diferentes ocasiones a finales del siglo XIX y pintó allí algunos reconocidos cuadros de los trabajos de la uva. El vino, en tres variedades, se presenta a través de un estuche denominado "Centenario Sorolla".

El Consejo de Ministros, a propuesta del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, aprobó el pasado 17 de enero el Real Decreto por el que se crea y regula la Comisión Nacional para la conmemoración del centenario del fallecimiento de Joaquín Sorolla, órgano colegiado interministerial que contribuye a destacar la figura del pintor y su aportación al mundo de las artes y de la cultura española.

Comisariado

Rosario López López, Sonia Martínez Requena, Ana Muñoz Martín, Berta Rubaki Yago y Blanca de la Válgoma 

Coordinadora

María Pilar Herrera Arbona

Organización

Museo Sorolla y Fundación Museo Sorolla 

Diseño y dirección de montaje

Vélera 

Montaje

TdArte

Traducciones

Manuel Borja

Edición

César Álvarez Sánchez

NOTAS:

© "EL MUSEO SOROLLA RINDE HOMENAJE AL PINTOR EN SUS ÚLTIMOS AÑOS CON LA EXPOSICIÓN -¡SOROLLA HA MUERTO! ¡VIVA SOROLLA!-".

Textos del post: Ministerio de Cultura y Deporte.

La fotografía 5038 de este post ha sido cedida a "No soy digno de tu amor" por el Ministerio de Cultura y Deporte (Museo Sorolla).

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MUSEO SOROLLA

MINISTERIO DE CULTURA Y DEPORTE

La muerte de Sorolla se sintió en los círculos artísticos y la prensa se hizo eco de los homenajes que se hacían para ensalzar su figura, tanto dentro como fuera de España. Todas esas muestras de afecto y respeto contribuyeron a engrandecer la figura de Sorolla. ¿Qué te parecen las obras de este insigne pintor español? ¿Conoces el Museo Sorolla?

EL MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNEMISZA PRESENTA LA SEGUNDA EDICIÓN DEL CICLO DE PERFORMANCES "VISIÓN Y PRESENCIA".

Tras una primera edición el pasado año, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una nueva propuesta de Visión y presencia, un ciclo de performances comisariado por Semíramis González cuyo objetivo es dar visibilidad a las mujeres creadoras. En esta segunda convocatoria, que cuenta con el apoyo de AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo), el programa se amplía a diez acciones inéditas, creadas exprofeso para distintos espacios del museo, que se desarrollarán durante todo el año (excepto julio y agosto). 

Las artistas Agnes Essonti, Alejandra Glez, Lorena Wolffer, Osiris Ferrera, KarmeLaHoz, Scarlett Rovelaz, Amapola Prada, Art al Quadrat, Ana Beltrán Porcar y Paula B. Pailamilla trasladan al museo cuestiones del presente como la igualdad de género, la memoria histórica, la diversidad racial, la preocupación por el cambio climático y la relectura de la historia del arte desde una visión más igualitaria.

Fotografía 5037.- Visión y presencia. Un programa de performances de artistas mujeres en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Comisariado por Semíramis González, 2021. Imagen cedida a "No soy digno de tu amor" por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Prensa).

Las salas de la colección, el hall de entrada, el jardín o el salón de actos se convertirán en escenarios de estas acciones, de performances para vivir en directo, en las que público y artistas interactúen en torno a estos contenidos de absoluta actualidad, incisivos, y sobre los que reflexionar desde el arte. Además, los temas de las acciones se complementan con la colaboración con entidades y organismos que trabajan sobre discapacidad, feminismo o violencia de género, trasladando el alcance de cada performance más allá del ámbito del museo.

• 18 de enero - Agnes Essonti: Bayam Sellam – Salas de la colección permanente. La artista afroespañola Agnes Essonti, ataviada con un vestido que recuerda al traje de flamenca, pero inspirado en los coloridos tejidos wax de su infancia, realiza un ejercicio de memoria colectiva sobre la esclavitud, la identidad, la raza y el sentido de pertenencia, recorriendo varias salas de la colección. Esta performance contará con la presencia de Rita Bosaho, directora general para la Igualdad de Trato y Diversidad Étnico Racial del Ministerio de Igualdad.

• 15 de febrero - Alejandra Glez.: Volver a nacer – Hall central. Basándose en tradiciones de su Cuba natal, en Volver a nacer Alejandra Glez. mezcla influencias de la religión yoruba (originaria de África) y la de los taínos cubanos de las Antillas para crear una acción que habla de los océanos, del mar y del agua como creadora de vida, y que conecta a las mujeres que la acompañan en un nuevo nacimiento lleno de sororidad y de curación de lo traumático vivido. Con la colaboración de la fundación Tara for Women.

• 22 de marzo - Lorena Wolffer (colaboración con Kira Sosa Wolffer): Darme-darse-darnos – Salón de actos. En una acción colaborativa con su hija Kira, la artista mexicana Lorena Wolffer recopila las experiencias y opiniones de jóvenes feministas acerca de sus deseos, su sexualidad y su punto de vista sobre el mundo y la forma de abordar el presente ante los retos patriarcales. Esta performance forma parte del festival Ellas Crean y cuenta también con el apoyo del Instituto Cultural de México en España.

• 19 de abril - Osiris Ferrera: Más que números – Hall central. Desde la experiencia social y desde su propia historia, Osiris Ferrera hace visible y denuncia la violencia contra las mujeres en Honduras, un país con apenas seguimiento de los casos de feminicidio. A través de la escritura continua de los datos referentes a muertes o asesinatos de mujeres entre 2012 y 2023, la artista hondureña transmuta su propia vivencia en una acción sanadora.

• 24 de mayo - KarmeLaHoz: Sepelio – Salas de la colección permanente y jardín. Esta performance establece una relación entre obras de la colección y citas de autores de prestigio, de todos los tiempos y de diversas nacionalidades y ámbitos, en las que se evidencian los roles de género atribuidos a las mujeres a lo largo de la historia, la consideración de inferioridad y su culpabilidad por el hecho de ser mujeres. A partir de este diálogo, la artista española KarmeLaHoz genera un recorrido a través de estas pinturas para sepultar simbólicamente el sistema patriarcal.

• 21 de junio - Scarlett Rovelaz: Fluidez-Thyssen – Sala B, Colección Carmen Thyssen y jardín. En Fluidez, la hondureña Scarlett Rovelaz refleja la desconexión actual con el entorno natural y la sequía de los ríos en España. Partiendo de la obra de la colección Carmen Thyssen Orquídea y colibrí cerca de una cascada, de Martin Johnson Heade, la artista traza el recorrido de un río metafórico que nos recuerda la necesidad de repensar la relación de los seres humanos con la naturaleza. Además, esta performance es un homenaje a la activista ambiental hondureña Berta Cáceres y a las defensoras del territorio que son asesinadas.

• 20 de septiembre - Amapola Prada: NN – Hall central. Amapola Prada (Lima, 1978) presenta una acción basada en las relaciones entre cuerpo, psicología e historia, así como en la noción de que la reactivación de hechos históricos emocionalmente conflictivos, transmitidos de generación en generación, guarda el potencial de que éstos sean procesados en un espacio simbólico.

• 18 de octubre - Art al Quadrat: Transmutación – Hall central. En esta performance, las artistas de Art al Quadrat (Mónica y Gema del Rey Jordà, Valencia, 1982) toman algunos de los términos utilizados peyorativamente en informes sumarísimos de la Guerra Civil para describir a mujeres juzgadas, tales como "peligrosa, incendiaria o escandalosa", y los portan adosados al cuerpo, metafórica y físicamente, con el fin de transmutarlos en algo colectivo, en un ejercicio de empatía y sororidad con el público asistente.

• 22 de noviembre - Ana Beltrán Porcar: Pilares – Hall central. La artista Ana Beltrán (Alcora, 1986) pone el foco en cómo la prensa informa sobre la violencia contra las mujeres y minimiza el impacto de las estadísticas. Esta performance muestra que las víctimas son mujeres con un nombre y una vida y narra los datos con un lenguaje distinto al que acostumbramos a escuchar, más inmediato e íntimo.

• 13 de diciembre – Paula B. Pailamilla: Mi cuerpo es un museo – Hall central. Paula B. Pailamilla genera, a través de su propia identidad-cuerpo, un enlace trans-territorial en el lugar donde se desarrolla su performance, poniendo de manifiesto cuestiones como "¿qué significa mi cuerpo en este territorio?". En Mi cuerpo es un museo, la artista chilena aborda la historia colonial que cargan las instituciones museísticas occidentales en relación con los cuerpos indígenas y el pasado colonial de la corona española y la invasión de América.

FICHA DE LA ACTIVIDAD

Título: Visión y presencia.

Sede: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Hall central, salas de la colecciones permanente y Carmen Thyssen, salón de actos y jardín.

Fechas y hora: 18 de enero; 15 de febrero; 22 de marzo, 19 de abril; 24 de mayo; 21 de junio; 20 de septiembre; 18 de octubre; 22 de noviembre y 13 de diciembre. 18:00 horas.

Comisaria: Semíramis González.

Coordinadora: Laura Andrada, Área de Conservación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Con el apoyo de: AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo).

Colaboran: Fundación Tara for Women, Festival Ellas Crean y el Instituto Cultural de México en España.

Entrada libre hasta completar aforo.

NOTAS:

© "EL MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNEMISZA PRESENTA LA SEGUNDA EDICIÓN DEL CICLO DE PERFORMANCES -VISIÓN Y PRESENCIA-".

Textos del post: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Prensa).

La fotografía 5037 de este post ha sido cedida a "No soy digno de tu amor" por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Prensa).

Todos los derechos reservados. Este post (texto y fotografías) no puede, ni en todo, ni en parte, ser distribuido, reproducido, comunicado públicamente, tratado o en general utilizado por cualquier sistema, forma o medio, sin autorización previa y por escrito de su autor, aun citando la procedencia.

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MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNEMISZA

La segunda edición del ciclo de performances "Visión y presencia" incluye diez acciones inéditas creadas exclusivamente para escenificarse en distintos espacios del museo a lo largo de todo el año. Los temas elegidos trasladan al museo cuestiones del presente que aportan una nueva visión y misión, centrada en asuntos sociales como la igualdad de género, la memoria histórica, la diversidad racial, la preocupación por el cambio climático o la relectura de la historia del arte desde una visión más igualitaria. ¿Qué te parece este proyecto comisariado por Semíramis González?

LOS 16 MUSEOS ESTATALES (ESPAÑA) REGISTRARON MÁS DE 2 MILLONES DE VISITAS EN 2022.

Los 16 Museos Estatales dependientes del Ministerio de Cultura y Deporte, a través de la Dirección General de Patrimonio Cultural y Bellas Artes, han registrado en 2022 un número total de visitas que asciende a 2.351.887, una cifra que representa un aumento del 42,5% con respecto a 2021. Por museos, el más visitado ha sido el Museo Arqueológico Nacional (455.909 visitas), seguido del Museo de Altamira con 251.424 visitantes y el Museo Sorolla con 246.219 visitantes. El saldo positivo, en términos comparativos y con respecto al año anterior, se registra en todos los Museos Estatales.

Fotografía 5036.- Museos Estatales. Dirección General de Patrimonio Cultural y Bellas Artes. Imagen cedida a "No soy digno de tu amor" por el Ministerio de Cultura y Deporte (Prensa) para la realización de este post y su difusión.

Los 16 centros que componen la red mejoran sus datos respecto a 2021. Destacan especialmente el Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira (Santillana del Mar, Cantabria), que registra un aumento de más del 90% con respecto a 2021, y el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias "González Martí" en Valencia (79% de incremento). El mayor aumento se registra en el Museo del Traje (382%), ya que en 2022 el museo ha podido prestar servicio durante todo el año, tras su reapertura al público en octubre de 2021.

Fotografía 5035.- Museo Arqueológico Nacional. "NSDDTA". Madrid.

Estas cifras implican un claro avance hacia la recuperación de la afluencia de público que se registraba con anterioridad a la pandemia de COVID. En este sentido, merece destacarse que dos museos, en concreto el Museo Nacional de Artes Decorativas (Madrid) y el Museo Nacional del Romanticismo (Madrid), han mejorado sus datos con respecto a los obtenidos en 2019, antes de la pandemia.

La red de Museos Estatales estrenó en septiembre nueva imagen. Un nuevo logotipo formado por tres letras M de diferente tamaño, cuyos vértices se tocan entre sí. La nueva marca recoge la pluralidad y la diversidad de los Museos Estatales, sus distintas ubicaciones, orígenes, temáticas y dimensiones. A la vez, trata de poner en valor la conexión que existe entre todos ellos, tanto por su compromiso con la protección y difusión del patrimonio, como por la inclusión y participación de los diversos públicos. Junto a la imagen renovada, la red de Museos Estatales también ha estrenado una NUEVA WEB que proporciona al ciudadano información esencial y materiales para preparar la visita, así como información específica sobre las respectivas condiciones de accesibilidad.

Puedes consultar en el siguiente ENLACE las cifras de visitas registradas en los Museos Estatales.

NOTAS:

© "LOS 16 MUSEOS ESTATALES (ESPAÑA) REGISTRARON MÁS DE 2 MILLONES DE VISITAS EN 2022".

Textos del post: Ministerio de Cultura y Deporte.

La fotografía 5036 de este post ha sido cedida a "No soy digno de tu amor" por el Ministerio de Cultura y Deporte.

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MINISTERIO DE CULTURA Y DEPORTE

MUSEOS ESTATALES

Los 16 museos que gestiona de forma directa el Ministerio de Cultura y Deporte, a través de la Subdirección General de Museos Estatales, son espacios para la cultura que, partiendo de un patrimonio inigualable y con una programación cultural contemporánea, ofrecen un servicio público de calidad. La diversidad es la principal fortaleza de una red de museos en la que están presentes la arqueología, la pintura, la escultura, las casas-museo, la etnografía, el diseño y la moda, junto a colecciones procedentes de otras culturas. De los 16 centros que componen la red, ¿cuáles conoces?

"PICASSO 1906. LA GRAN TRANSFORMACIÓN", "MAQUINACIONES" Y LAS MUESTRAS DE BEN SHAHN E IBON ARANBERRI, ENTRE LAS PROPUESTAS DEL MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA PARA 2023.

En 2023 las salas del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acogerán 10 exposiciones en las que se analizarán diferentes tendencias del arte contemporáneo. Así, el Edificio Sabatini acogerá la retrospectiva de Ben Shahn, una de las principales figuras del realismo americano, así como una antológica del creador vasco Ibon Aranberri. Esta programación pondrá también el foco en la conmemoración del 50º aniversario de la muerte de Pablo Picasso a través de la exposición Picasso 1906. La gran transformación. Una muestra que quiere profundizar en la aportación del artista al momento germinal del arte moderno.

Fotografía 5034.- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Vista de la fachada del Edificio Sabatini. Realizada por Joaquín Cortés/Román Lores. Imagen cedida a "No soy digno de tu amor" por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Prensa) para este post.

Medio centenar de artistas, procedentes del área mediterránea y el continente africano, formarán parte de la gran exposición temática Maquinaciones. Además, el público podrá sumergirse en el universo de Alberto Greco, en la exposición Viva el arte vivo y conocer la intensa actividad de una legendaria editorial de vanguardia con Llámalo de otra manera Something Else Press, Inc. (1963-1974). También podrá visitar la retrospectiva dedicada a la vídeo artista alemana Angela Melitopoulos. Y, por primera vez en un museo, se expone la obra de André du Colombier.

Fotografía 5033.- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Jardín del Edificio Sabatini. Realizada por Joaquín Cortés/Román Lores. Imagen cedida a "No soy digno de tu amor" por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Prensa) para este post.

El Palacio de Cristal del Parque del Retiro será escenario de dos instalaciones a gran escala, la de Ibrahim Mahama y la nueva escenografía de Ulla von Brandenburg. 

El programa de cine y vídeo contará con retrospectivas de autores como Yervant Gianikian y Angela Ricci-Lucchi. En colaboración con Filmoteca se ofrecerá la retrospectiva integral a Peter Watkins y podrán verse los ciclos de tesis Filmar lo posthumano y Bestiario. Cine y monstruosidades. Un ciclo de conferencias al final de año, con especialistas en Picasso, acompañará la exposición dedicada a este artista en 2023.

NOTAS:

© "-PICASSO 1906. LA GRAN TRANSFORMACIÓN-, -MAQUINACIONES- Y LAS MUESTRAS DE BEN SHAHN E IBON ARANBERRI, ENTRE LAS PROPUESTAS DEL MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA PARA 2023".

Textos del post: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Prensa).

Las fotografías de este post han sido realizadas por Joaquín Cortés/Román Lores y cedidas a "No soy digno de tu amor" por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Prensa) para este post.

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MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA

El Museo Reina Sofía abre sus puertas en 1990 con la intención de reflejar la contemporaneidad artística española en relación con el contexto internacional. Sus fondos de componen de más de 23.000 obras realizadas entre finales del siglo XIX y la actualidad. De ellas se exhibe aproximadamente un cinco por ciento de artistas de la talla de Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí, Juan Gris, Georges Braque, Yves Klein, Robert Motherwell, Francis Bacon, Richard Serra, Alexander Calder, René Magritte, Antoni Muntadas, Michelangelo Pistoletto, Sol LeWitt o Marcel Broodthaers. ¿Conoces este importante museo español?